PUNTO DE VISTA, MOVIMIENTO, PERSPECTIVA
Es posible recurrir a muchos motivos para la composición de una
imagen, como lo demuestran los gráficos de la parte inferior de
esta página: triángulo o pirámide, paralelas, curvas en S, verticales
con oposición de volúmenes, etc.
Sólo nos falta saber en qué medida le cabe al fotógrafo la
posibilidad de disponer por sí mismo los distintos elementos de una
foto. Ello no es difícil cuando se trata de naturalezas muertas o
incluso de seres vivos que pueden desplazarse, pero cuando se
trata de escenas callejeras, paisajes, etc; ya no le será posible
cambiar nada. No le quedará otra solución que desplazarse él, con
su cámara, en busca de la composición acertada. En otras palabras,
deberá variar el punto de vista y analizar, estudiar detalladamente
todas y cada una de sus posibilidades, sin olvidar la longitud focal
del objetivo que le conviene emplear, ya que ambas cosas, punto
de vista y longitud focal influyen directamente sobre la perspectiva.
El conjunto de todos esos motivos, de esas líneas paralelas,
curvas u oblicuas, etc… tiene como fin primordial guiar la mirada
hacia el centro de interés. Todo ello forma parte de lo que se ha
dado en llamar “movimiento” o también “ritmo”. Y dentro de este
orden de ideas, los temas a que se suele recurrir con mayor
frecuencia son, sin duda, las vallas, los caminos y carreteras, las
hileras de árboles, las vías del tren, las huellas en la nieve o en la
arena, o más sencillamente, las líneas que limita el horizonte.
Algunas de estas líneas sugieren estados anímicos: reposo,
calma, tranquilidad (en particular las horizontales). Las verticales
transmiten, en cambio, sentimientos de dignidad, pureza,
grandiosidad. En cuanto al movimiento como tal, se hace mucho
más evidente en los sujetos que se desplazan sobre un plano
horizontal. Conviene subrayar que debe dejarse siempre más
espacio por delante de un corredor, un caballo al galope, un coche
lanzado a toda velocidad, etc; que por detrás de dichos sujetos. Se
añade así la impresión de que se desplazan rápidamente y que
apenas acaban de entrar en imagen.
(otro pasaje del libro, de Antoine Desilets, “Técnica Fotográfica”)
(Continuará…)

EL CENTRO DE INTERÉS
Es muy frecuente -demasiado- que al contemplar una foto
nuestra mirada divague de arriba abajo, de izquierda a derecha, sin
que nada de particular atraiga nuestra atención. Podríamos decir,
en un caso así, que es una foto sin ton ni son. Si, además, el
observador experimenta el menor sentimiento de confusión, es que
el fotógrafo, en su mejor deseo de expresarlo todo, sin olvidarse de
nada, ha tratado de incluir inconscientemente demasiados
elementos secundarios, logrando con ello tan solo diluir el “centro
de interés” o el “punto culminante” de la acción. Guiado por el
deseo de expresar demasiadas ideas en una misma imagen habrá
cometido una falta grave contra la unidad, que es, de hecho, lo que
más se busca en una foto, sobre todo si se desea expresar un
hecho con la máxima sencillez.
Al hablar de un “centro de interés” no quiero decir, ni mucho
menos, que este famoso centro deba encontrarse en mitad de la
imagen. Por el contrario, su lugar ideal se halla en la intersección
de una de las cuatro líneas imaginarias que dividen la foto, según el
croquis de la página siguiente.
Hay que operar como si estas líneas estuvieran trazadas sobre el
cristal del visor de la cámara. Se define esta regla como técnica o
regla de los tercios, y equivale a decir que en lugar de encuadrar el
motivo principal en el centro geométrico de la imagen es preferible
recurrir a esos cuatro “centros dinámicos”, siempre que ello sea
posible. Recordemos que en fotografía ninguna regla básica debe
seguirse ciegamente. Se supone que tenemos todos nosotros
imaginación suficiente e intuición, sobre todo, para zafarnos de
esas reglas de vez en cuando e irnos derechos hacia una
composición original en la que el fotógrafo se ve guiado tan solo
por su concepto personal de la belleza.
EQUILIBRIO DE FORMAS Y DE MASAS
Cuando no existe este equilibrio, la imagen provoca una
sensación rara en el observador. Y si éste nos habla con franqueza,
tal vez nos diga que hay algo raro en esa foto que le choca.
Posiblemente no será capaz de descubrir qué le desagrada en ella,
pero pasará, y con razón, a examinar la foto siguiente. ¿Por qué?
Porque el hombre, por lo general, busca el equilibrio, la simetría (o
una asimetría cuidadosamente calculada) en todo cuanto le rodea.
Dicho estado de simetría, de equilibrio, deja de existir
momentáneamente cuando uno se encuentra frente a la torre de
Pisa, por citar sólo un ejemplo…
Todos conocemos, aproximadamente, el peso de un pájaro en
relación al de un automóvil e, inconscientemente, siempre nos
hallamos dispuestos a evaluar pesos y dimensiones entre los
diferentes elementos que componen la imagen. Cuando se
fotografía un rascacielos junto a un pequeño edificio de dos o tres
pisos, se suscita automáticamente una sensación de desequilibrio;
a menos que el vacío que se encuentra encima del pequeño edificio
quede parcialmente ocupado por otra masa, ya sea el sol, una
nube, la luna llena o un Boeing 747, que tendrá como efecto
restablecer el equilibrio, tanto en lo que respecta a la evaluación de
las dimensiones, como en lo que afecta a las masas.
(del libro: “Técnica Fotográfica”; de Antoine Desilets)
(continuará…)

Seguimos con el libro de Antoine Desilets. Hoy vais a ver como se
construye una cámara primitiva, el estenopé o cámara estenopéica,
y fundamentos básicos como son saber qué es la profundidad de
campo y la abertura de diafragma…
EL ESTENOPÉ
Las primeras fotos se consiguieron mediante una simple caja
opaca en una de cuyas paredes se había practicado un diminuto
orificio, del diámetro de una cabeza de alfiler. Al interior de la caja
no podía entrar más luz que la que penetraba por este orificio. En la
figura que acompaña este texto vemos cómo la copa de árbol
“pasa” por el estenopé y se impresiona en la película, situada en la
pared opuesta de la caja, precisamente hacia abajo, mientras el
tronco queda situado hacia arriba; ello demuestra que los rayos
luminosos se desplazan en línea recta y dan lugar a una imagen
invertida. El ojo, que por su parte es sensible al mismo fenómeno,
cuenta con la complicidad ingeniosa del cerebro para compensar
este efecto de inversión, pues de lo contrario lo veríamos todo
“boca abajo”.
PROFUNDIDAD DE CAMPO
Profundidad de campo. Zona de nitidez que se dispone por
delante y por detrás del objeto o sujeto fotografiado, y que
aumenta considerablemente a medida que éste se aleja de la
cámara. Para una lente normal, enfocada al infinito (diafragma
abierto a f/2,8), la profundidad de campo se extenderá
aproximadamente desde los 15 metros hasta donde alcanza la vista
(o el poder de resolución del objetivo). Dicha distancia no es la
misma para todas las lentes. Es tanto mayor cuanto más reducida
es la abertura del diafragma y cuanto más corta es la distancia
focal. Y como los límites de esta zona no empiezan y acaban
bruscamente, se observa una lenta progresión hacia la nitidez
absoluta. Así pues, la máxima profundidad de campo se obtiene a
f/22, si bien operando a corta distancia se halla considerablemente
reducida, y es casi inexistente cuando se utiliza un teleobjetivo. En
resumen, está comprobado que la profundidad de campo no está
sólo influida por la longitud focal, sino también –y de modo muy
notable– por la distancia objeto-cámara.
EL DIAFRAGMA
Diafragma. Es uno de los dos dispositivos mecánicos que lleva
incorporados un objetivo, siendo el otro el obturador. Como el iris
en el ojo humano, sirve para aumentar o disminuir la cantidad de
luz que pasa a su través. Su diámetro actúa, pues, directamente
sobre la luminosidad real del objetivo, para condicionar
seguidamente el tiempo de exposición (o velocidad de obturación).
Una de sus más importantes características la constituye su
influencia sobre la profundidad de campo. (continuará…)

Continuamos con pasajes del libro “Técnica fotográfica”, de
Antoine Desilets. Hoy toca la óptica; “eso” de lo que no puede
presumir un teléfono móvil por muy buenas fotos que haga…
ÓPTICA
Siempre se ha dicho, y con razón, que el objetivo de una cámara
fotográfica guarda mucha semejanza con el ojo humano. Pues bien,
pese a su gran complejidad, el ojo consigue realizar el enfoque de
las imágenes mediante una “lente” única: el cristalino. En efecto,
esta lente posee una extraordinaria capacidad de adaptación.
Gracias a la modificación instantánea de su forma, de su grosor, el
cristalino enfoca automáticamente los objetos situados a una
distancia de pocos centímetros y puede, en una fracción de
segundo, adaptarse para la visión de un cuerpo celeste tan alejado
como la luna.
Hasta el presente, ningún fabricante de objetivos puede
vanagloriarse de poseer el secreto que permita llegar a construir
una lente tan perfecta como el ojo humano. Y si se comparan el
uno con el otro, es simplemente porque se han copiado más o
menos todas las características del ojo con el fin de obtener un
dispositivo mecánico que cumpla las mismas funciones del modo
más aproximado. Con todo, y a pesar de su aptitud para modificar
su curvatura (acomodación), el cristalino no consigue enfocar
simultánea y conjuntamente dos objetos muy separados, cosa que
realiza con facilidad el objetivo fotográfico moderno con ayuda del
diafragma.
Teniendo en cuenta, como se aprecia en la figura, que el
cristalino se aplana al contemplar objetos alejados y adquiere la
máxima curvatura al examinar los más próximos, se comprende el
por qué las lentes utilizadas en fotografía tienen asimismo distintas
curvaturas, desde la forma casi plana de un teleobjetivo de 500
mm, hasta la casi esférica de un hypergone u “ojo de pez” de 7,5
mm, con el cual, precisamente, se consiguen enfocar imágenes
situadas entre distancias de 50 mm hasta el infinito.

Vamos a tratar, estos días, sobre “Técnica Fotográfica”; un libro de
Antoine Desilets que, aunque pueda parecer obsoleto por los años
que tiene, contempla una serie de conceptos básicos que comparte
la fotografía analógica y la digital. Obviamente son sólo reseñas del
libro; pequeños “aperitivos” para introducirnos poco a poco en el
apasionante mundo de la fotografía y su técnica.
Hoy toca el tema de la luz y un fácil experimento con el obturador
en posición B.
LA LUZ Y EL FOTÓGRAFO
“La luz es para el fotógrafo lo que el pincel para el pintor.” Ignoro
a qué oscuro poeta de la emulsión sensible debemos este aforismo;
pero sí puedo decir una cosa: que como afirmación, no puede ser
más cierta. Este nuevo arte, la fotografía, sólo tiene razón de ser en
función de la luz, y el fotógrafo depende constantemente de ella.
Sol, luna, estrellas, candela, lámpara u hoguera, fuentes de luz
todas ellas cuyas características importa conocer. Una de las ramas
más notables de la física moderna es la óptica precisamente, que
trata de las propiedades de la luz y también de la visión. A esta
ciencia se debe el que hayamos llegado a comprender claramente
los fenómenos que la caracterizan.
“Escribo con luz” es un eslogan muy conocido de todos los
fotógrafos. Para hacer esta foto basta con oscurecer cuanto sea
posible la habitación (obsérvense las cortinas echadas) y disponer
un fondo negro. El fotógrafo abre el disparador y espera. Entonces
es cuando el modelo empieza a escribir en el aire, sirviéndose de
una pequeña linterna de bolsillo. Cuando ha terminado, el operador
dispara el flash. Sorpresa al revelar: la inscripción aparece
invertida. Será preciso colocar el negativo “al revés” en la
ampliadora para que se pueda leer “del derecho”.
(Continuará…)

La iluminación es algo básico tanto en la fotografía como en el cine.
No solo ayuda a ver mejor la escena sino que sugiere cosas. Puede
inducir a la calma, al misterio, al terror… Puede provenir de uno o
varios puntos, dar relieve o aplanar la imagen. Ser natural o
artificial. Fría o cálida. El fotógrafo de estudio la dispone con astucia
para conseguir el efecto que busca. El aficionado juega con la luz y
las sombras que el sol produce, con el flash…
¿Por qué es necesario este libro?
Observa la escena que tienes delante y cierra un ojo. No importa
cual de los dos. A continuación, con el ojo abierto, entrecierra la
mirada y examina por un momento todo lo que ves. Podrás advertir
la poca información de que dispones. ¿Puedes ver lo difícil que
resulta distinguir las distancias y la separación que existe entre los
objetos? ¿Cómo ha aumentado el contraste entre luz y oscuridad?
¿Y cómo los objetos que antes aparecían en tres dimensiones ahora
son planos?
Bueno, lo que acabas de ver es exactamente lo que habría visto
tu cámara si la hubieras dirigido hacia la misma escena. Como
puedes observar, la clave para conseguir una fotografía excelente
está en la capacidad para visualizar la imagen que intentas crear y
para distinguir cómo vemos la luz nosotros, en tanto que seres
biópticos y pensantes, y cómo la ven las cámaras en su calidad de
herramientas inanimadas dotadas de un solo ojo.
La luz es la herramienta fundamental del fotógrafo. Además,
siempre es distinta, lo que confiere a cada imagen una atmósfera
única. En tu mano está utilizar esta infinidad de matices para crear
con éxito fotografías únicas.
El presente libro enseña al principiante cómo ver y utilizar la luz
de manera eficaz, al tiempo que permite al aficionado mejorar sus
conocimientos técnicos y al semi-profesional ampliar su experiencia
con el fin de obtener resultados más satisfactorios y creativos.

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subacuáticas y el cielo nocturno; construir presentaciones
especiales, como secuencias instructivas o proyecciones
audiovisuales; crear efectos de laboratorio; como viñetas,
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tomar buenas fotografías -de todo tipo y en cada situación
imaginable. En ocho secciones muy completas se le enseñan los
principios de: “El manejo de la luz”, “Empleo de los objetivos”,
“Fotografía en blanco y negro”, “El manejo del color”, “Control del
movimiento”, “La composición”, “Fotografía de personas”, y
“Técnicas de estudio”. Se explica primero el principio básico de cada
técnica para, a continuación, profundizar en sus posibilidades.

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